Tercera mañana de resaca

Crítica en Lasemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3050

 

¡La pandilla vuelve! Una vez más Stu, Phil, Doug y Alan se reúnen en circunstancias trágicas para verse envueltos en una trama de mafiosos y ladrones. Los chicos tendrán que ir en búsqueda y captura de su antiguo colega Chow, quien se ha escapado de la cárcel en Tailandia para crear múltiples problemas.

Por otra parte, un muy trastornado Alan irá viviendo un lento proceso de maduración a medida que el grupo va enfrentándose a los problemas y reuniéndose con viejos amigos. Las nuevas aventuras llevarán a la tropa a México y a Las Vegas con disparatadas consecuencias. La fórmula de la película sigue siendo la misma que en las entregas anteriores, aunque en esta ocasión no haya ninguna despedida de soltero ni fiesta inicial. Los protagonistas tendrán un tiempo límite para salvar a Doug de las garras de un malhumorado John Goodman que reclama la cabeza de Leslie Chow a cambio.

El director Todd Phillips sigue uilizando su humor desmedido combinado con situaciones extremas para provocar la risa del público, y lo cierto es que lo consigue. A pesar de ser una tercera parte, el resultado se mantiene fresco y no defraudará a los seguidores de esta saga. La banda sonora tampoco es desdeñable, las canciones elegidas de artistas como Billy Joel, Harry Nilson o The Coasters encajan perfectamente con el argumento. A esto hay que añadir las curiosas interpretaciones musicales que nos ofrece Ken Jeong en las escenas más memorables de la película. La actuación de Galifianakis además continúa ofreciendo otro de los platos fuertes de la franquicia con esa bis cómica que explota tanto su naturaleza infantil.

Los espectadores que hayan seguido las tramas anteriores se verán recompensados con este final digno que aglutina prácticamente todos los elementos hilarantes y a todos los personajes destacables de Resacón en Las Vegas y de Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! La única ausencia notable en el rodaje es la de Mike Tyson, su presencia podría haber redondeado la despedida de la trilogía, aunque la reaparición de la atractiva Heather Graham será un aliciente para muchos.

La película no es ninguna obra maestra del humor y su visionado no es imprescindible para un amante de la buena comedia, no obstante entretiene, el ritmo de la película no se hace pesado en ningún momento, el guión cuenta con más de un giro inesperado y uno puede hasta encontrar breves momentos románticos y melancólicos propios de un drama. En definitiva, el filme cumple con las expectativas creadas estos últimos años y es a su vez un buen producto para los iniciados que quieran formar parte de este viaje disparatado.

Los hermanos del invierno

 

La historia cuenta cómo unos pilotos alemanes e ingleses sobreviven a una batalla aérea para después verse forzados a convivir en una aislada cabaña de las montañas noruegas alejados de cualquier vestigio de civilización y alejados también de la guerra que se está librando en Europa.

Las dificultades del invierno pondrán a prueba a los soldados, que inevitablemente acabarán colaborando para salir con vida, a pesar de ser enemigos. La escasez de alimentos y las condiciones climáticas serán los nuevos adversarios a abatir. Los alemanes, que un principio se mostrarán fríos y distantes con sus compañeros de habitación ingleses, poco a poco irán cediendo en camaradería compartiendo todos los recursos disponibles con sus prisioneros.

Rupert Grint, el archiconocido Ron Wesley de la saga de Harry Potter ofrece aquí un papel más dramático con un personaje bravucón que busca hacer desesperar a los pilotos alemanes a base de criticar las costumbres germánicas y de limpiarse el trasero con las páginas de Mein Kampf.

Sin embargo, es en Florian Lukas, el teniente Horst Schopis, en el que recae la mayor carga argumental, pues la evolución de su personaje es clave para que el espectador pueda comprender la estupidez de la guera y la importancia de una amistad.

A pesar de situarse en una etapa tan cruel como fue la Segunda Guerra Mundial, la obra posee un gran optimismo y el tema es tratado desde un punto de vista pacifista alejado de la política. Prácticamente todas las escenas del film cuentan con diálogos divertidos y amenos que relajan la tragedia que los personajes están viviendo.

La terrible experiencia terminará por ser enriquecedora para ambos grupos aunque la realidad bélica se impondrá finalmente cobrando su peaje particular, no en vano la historia narra un suceso real, aquí no hay ningún final made in Hollywood.

Paraíso Perdido: Análisis documental

Esta vez quiero dejaros un trabajo voluntario que realizé hace ya unos meses. La única condición impuesta por la profesora consistía en que el texto tuviera relación con la opinión pública, por lo que enseguida me vino a la cabeza un documental que había visto recientemente sobre un juicio polémico acontecido en Arkansas durante los años noventa. El material que ví me impactó al instante, no sólamente por las características sensacionalistas del caso, sino por la forma de contarlo, los testimonios expuestos y la estupenda banda sonora de Metallica que tan bien encaja con el ambiente carcelario.

Paradise Lost es un intenso proyecto que comenzó en 1996, justo al mismo tiempo que juzgaban y condenaban a los 3 adolescentes sospechosos del asesinato, ya famosamente conocidos como "los tres de Memphis". El documental consta de tres partes distintas que conjuntamente componen un seguimiento completo del caso, desde sus inicios hasta su resolución en el 2011.

No quiero desvelar ningún contenido importante, aunque puede encontrarse fácilmente en la web por su relevancia, así que si sois demasiado ansiosos como para leer mi trabajo, os invito al menos a informaros sobre el tema, o ver los documentales directamente. Para los pacientes que dessen leer el análisis ya os adelanto que en las páginas encontraréis una crítica especializada de Paradise Lost, así como múltiples referencias a otras obras similares o películas que han influido profundamente a la sociedad. 

El trabajo presenta también una reflexión sociológica y una severa crítica al sistema penal estadounidense. Creo que con esto no me dejo nada en el tintero, ya he expuesto todos los puntos importantes. Espero que sepáis apreciar esta joya de documental y podáis valorar su importancia reivindicativa. Gracias.

https://docs.google.com/file/d/0B8zz1h_neDTDQ0ZWR0tudHpnVXM/edit

La infancia madura

Hola a todos, espero que hayáis pasado unas buenas navidades y fin de año. Tras lidiar con unos cuantos exámenes, trabajos y problemas burocráticos vuelvo para hablar de un producto televisivo de los 90 que muchos recordaréis con cariño. Si os menciono los nombres de Paul Germain y Joe Ansolabehere pensaréis seguramente que os hablo en chino (especialmente por el apellido del segundo)

Sin embargo, estos dos guionistas han jugado un papel clave en nuestros años mozos, divirtiéndonos muchas mañanas frente al televisor, y lo que es más importante, formándonos como personas. Tal vez la carrera de Germain es más talentosa e importante, pues ha sido el alma de muchas series infantiles célebres como Rugrats, Lloyd en el espacio, o Beethoven, además de actuar como colaborador en algún capítulo de Los Simpsons. 

Este guionista californiano no se ha limitado solo al mundo de los dibujos, también ha colaborado en los guiones de comedias ochenteras muy amables que aunque no destaquen por ninguna brillantez o genialidad, siempre han conseguido dejarnos una sonrisa en la cara. Este es el caso de "Big", interpretada por un jovencísimo Tom Hanks, o "Say Anything" primer filme dirigido por Cameron Crowe.

 

 

                     

                      

En toda la obra de Paul Germain hay una conexión especial con los niños, quienes suelen ser los protagonistas de la acción, a menudo guiados por su fantasía. Esto no quiere decir que en sus diálogos no haya una lógica y un razonamiento aplastante por parte de los renacuajos, pues muchas veces, a pesar de los desvaríos imaginativos, son ellos mismos los portadores de las lecciones maduras, las que nos hacen reflexionar y evolucionar.

Estas lecciones de vida que no sólo nos entretienen sino que también nos ayudan a crecer en todos los sentidos, quedan perfectamente plasmadas en la que para mí es sin duda, la mejor creación de Germain y Ansolabehere, la serie "La banda del patio". En ella, somos testigos de como un grupo de amigos tendrá que enfretarse a las dificultades que la vida les va imponiendo, desde el despotismo de los adultos hasta la concepción de la muerte, el alienalismo impuesto por las modas o el fin de la inociencia. 

Pero para los que no la hayáis visto no os asustéis, que el tono de la serie dista mucho de ser trágico y existencialista. Quizás sea ese el motivo de la grandeza de estos dibujos, la forma que tienen de contar estas dificultades vistas desde los ojos de unos escolares que se defienden unos a otros con el compañerismo, la solidaridad y su código del recreo no escrito. Y aquí nos topamos con otro gran acierto de sus creadores, la idea de situar todas estas aventuras en el patio de una escuela, donde podemos ver la jerarquía que hay establecida entre los niños, a veces realmente desternillante.

Dentro del hábitat del patio encontraremos a lo largo de la serie a muchos secundarios interesantes, con funciones específicas y algo planos en su creación, pero que sin embargo sirven perfectamente como complementos ideales en los capítulos. Las situaciones o conflictos tratados en los episodios consiguen gracias al carisma de los protagonistas crear una empatía instantánea, uno no puede evitar verse a sí mismo de niño enfrentándose a problemas parecidos.

 

 



Para los que no os acordéis bien de la serie, os pongo a continuación los perfiles de la pandilla protagonista y de algunos personajes más:

• Theodore Jasper "T.J." Detweiler

Es el líder del grupo. Normalmente lleva una gorra de béisbol al revés, es el que piensa siempre los planes. En una ocasión se reveló que la J de T.J. significa Jasper. Tiene una hermana llamada Becky que sólo aparece en la película de la serie y está doblada por Melissa Joan Hart en la versión inglesa y por Marta Barbará en la versión española. En un episodio se besó con Spinelli. Es un gran fan del superhéroe de cómics "Señor Fusión" (inventado en la serie).

• Ashley Funicello Spinelli

Una chica a quien le encanta la lucha libre. Sus amigos la llaman siempre por su apellido, y más cuando descubren que su nombre de pila es Ashley. Algunas veces ha mencionado a su hermano (dice que está en la cárcel) pero nunca ha aparecido en la serie. No le gusta parecer afeminada, y comparte la pasión por la lucha libre con su padre. Conocida támbien como "Shemale". Su madre es una vieja amiga de la Muriel P. Finster y, esta accede a cuidar de Spinelli. Aunque al principio Spinelli la odiaba, en el fondo se hicieron amigas y bailan la "chica hula" juntas, sus amigos la ven por una ventana y juran jamás contárselo a nadie.

• Vincent Pierre "Vince" La Salle

Es un perfecto deportista, siempre está ayudando a los demás y es el alumno preferido de el maestro de educación física. Su mayor modelo a seguir es su hermano mayor, aunque, tiene miedo de ser tan parecido a él, que tome la forma de un "tonto" o "nerd".

• Gretchen Prunella Grundler

Es muy inteligente y con un gran talento para estudiar. Conocida como "Chica Lista" por los mayores, incluido el Rey Bob. Era admirada por un chico llamado Jeffrey en un episodio, pero no volvió a aparecer. Se caracteriza por ser sensible y "nerd" y por sus granos y pecas sobre la cara. Según sus expedientes, tiene una asistencia perfecta y sin antecedentes de ningún tipo. A excepción de una vez en que escribió en el pizarrón una palabra "mala" creyendo que tenía otro significado.

• Michael "Mikey" Blumberg

Le gusta comer, es muy poético y filosófico. Además es un gran cantante, el mejor de la escuela. Escribe poesía, baila danza clásica y es pacífico, aunque por su tamaño no lo parezca. Se caracteriza también por ser gordo y menos avanzado intelectualmente, cualidades que le convierten en blanco de todas las burlas. En un episodio se descubre que cuando iba en kinder perdió una carrera, lo que hizo que todos se burlaran. A este chico le encanta comer de todo, en el episodio 'Volver al Receso' llega 'Mikey', el del futuro, quien dice que de grande trabaja como sicario de guerrillas en las cuales sobrevive por comer latas de aluminio. Una de sus frases más celebres es cuando el último día de clases, se despide de TJ, y este le dice que lo extrañará por siempre, con la simple palabra de 'Te amo', él llora y se va alejado.

• Gustav Patton "Gus" Griswald

El niño nuevo de la escuela, aunque en un episodio se rebela que había asistido al kínder en esta escuela. Viene de una disciplinada familia militar, queriendo ser militar de mayor, como su padre. Es inseguro, bajito, y teme a las bacterias. Al principio todos lo conocían como "El niño nuevo" en acordanza con la ley del recreo. En uno de sus antiguos colegios era conocido como "El Diablo", "El jugador de Lanzar y Esquivar la Pelota más rápido del Oeste" , hasta que un trágico día golpeó a un niño pequeño por error. Esto no se supo hasta el capítulo llamado "Pelota City" donde T.J. retó a los de quinto en una absurda apuesta: los de 4º contra los de 5º, apostando las canicas de todos los jugadores. En ese capítulo, los de 5° golpearon por error al chiquillo que admiraba a Gus, a quien llama "Don Seguridad", y fue donde por última vez volvió a jugar a ese juego y ganó derrotando a todos los de 5º. Es el único que no sabe que Mikey perdió la carrera en el kínder porque no estaba y sus amigos juraron al cuadrado no decirlo. Al parecer, de grande va a ser más alto y corpulento que su propio padre. Una vez tuvo un romance con la hija de un capitán de la marina, enemigo de su padre llamado Juan María.



• Muriel P. Finster

Es la profesora que se encarga de mantener el orden en el comedor y en el recreo. Siempre estará castigando a los alumnos que se porten mal, prestando especial atención a T.J. y sus amigos. Para descubrirlo, utiliza a Randall como espía y soplón. Es de edad avanzada y muy gruñona. Sin embargo, es muy luchadora, y adora el boxeo y la lucha libre, al igual que Spinelli. Ella era la antigua maestra de kinder, hasta que Gos apareció (en la película Abajo los grandes)y los descontrolo, haciendo que, secretamente, jure vengarse de el. Esta enamorada del conserje, pero su amor no puede funcionar, ya que la distrae demasiado de su trabajo.



• Randall Weems

Es uno de los niños más odiados de la escuela, debido a que siempre se está relatando de lo que ocurre a la profesora P. Finster, quien le suele dar una galleta como premio. Destaca por ser un cobarde y un soplón, muy probablemente porque su padre se comporta y luce igual. Solo quiere tener amigos, pero tampoco quiere que la señora Finster deje de quererlo. Envidia y odia a Spinelli mas que a nadie.

Como habéis podido comprobar, prácticamente todas estas caricaturas responden a modelos muy estereotipados; la empollona, el pringado de la clase, el rebelde bromista, la marimacho, el chico deportista, el chivato,etc. Pero no os dejéis engañar, porque esto no es una carencia de la serie, ya que los creadores buscan hacer una caricatura de los comportamientos asociados a cada estereotipo, provocando burlas amables.

La fórmula del programa tuvo bastante éxito, su emisión comenzó en 1997 gracias al patrocinio de Disney, empresa que por aquel entonces solía preocuparse más por la calidad de sus productos. La serie continuó ofreciendo mensajes para los más pequeños hasta el año 2001 momento en el que se decidió continuar usando a sus personajes en películas y especiales, algunos de menor calidad que la propia serie.

En definitiva, mi análisis final de La banda del patio concluye en que es una serie imprescindible que con el paso del tiempo se ha hecho más necesaria para las nuevas generaciones, También es recomendable un nuevo visionado para el fan veterano que creció siguiéndola, ya que ahora con una mente más madura podrá apreciar algunos matices que antes se le escapaban, lo que la convierte en una serie realmente redonda, tanto para el público infantil como para el adolescente.

Os dejo algunos enlaces de los capítulos más emblemáticos, todas las temporadas pueden encontrarse en youtube, así que os animo a verla:

https://www.youtube.com/watch?v=O7X0JtNlMms

https://www.youtube.com/watch?v=oAKLTxy0OHM

https://www.youtube.com/watch?v=yxQeBG6fJb8

https://www.youtube.com/watch?v=MUKdLazEGnQ

https://www.youtube.com/watch?v=qBwotXAtZ-s

La oratoria en las películas

Si buscamos en las páginas de la historia y la literatura encontraremos múltiples ejemplos de discursos ejemplares proclamados por líderes, filósofos, escritores y artistas. Todos nosotros guardamos en la memoria grandes frases célebres de estos discursos que han acabado por convertirse en un curioso refranero popular.

Por otro lado, existe también otra fuente de la cual podemos beber, o mejor dicho, oír, este tipo de conocimiento. El cine nos ha proporcionado con sus discursos muchos momentos emotivos acompañados de reflexión y sentimiento. Por ello, he decidido poner a continuación una página recopilatoria que guarda una buena colección de oratoria en el cine. Os invito a añadir aquí cualquier película que posea algún monólogo, diálogo o discusión que merezca la pena rememorar y que no aparezca en la lista.

http://laculturamepersigue.wordpress.com/2010/10/17/grandes-discursos-del-cine/

Yo, por mi parte incluyo los siguientes:

He elegido esta escena en concreto y no el discurso de la escalinata porque es aquí donde Marco Antonio (Marlon Brando) da rienda suelta a sus sentimientos contenidos explotando de rabia en un monólogo fantástico, breve y muy visceral.

Qué decir de este maravilloso principio donde se nos presenta al padrino, posiblemente el gángster italiano más real y conocido del mundo del cine. Vito Corleone aparece tras una súplica como un juez poderoso e implacable, pero ante todo, humano y respetuoso.

Este diálogo siempre me ha encantado, los motivos son varios. Aparte del increíble dueto actoral que Dennis Hopper y Christopher Walken nos ofrecen, este diálogo tiene de todo, pasa por diversas fases que combinan intimidación, picardía, humor, historia...una joya poco valorada. 

El Séptimo Sello es una obra maestra de Bergman con todas las de la ley. Cada plano, cada palabra se podrían analizar, un film realmente profundo y simbólico que no da tregua al espectador pensante. Esta escena recoge el amargo existencialismo que reina durante la mayor parte de la película.

De la desesperación anterior pasamos a un monólogo de Kevin Spacey muy agradable que conviene recordar de vez en cuando para que la vida no se nos haga demasiado pesada, para aprender a valorar aquellas pequeñeces que forman en realidad lo más hermoso que nos rodea pero que ignoramos, o al contrario, para aprender a ignorar las nimiedades de la vida a las que otorgamos demasiada importancia.

La crítica al oportunismo y a la falta de ética en los medios que hizo esta película sigue estando vigente hoy en día, de hecho, más que nunca. También encontramos un aviso para la mayoría de los telespectadores que actúan pasivamente y debilitan sus mentes y su criterio frente al televisor.

La ética en Los Soprano

Los valores y anti valores que quedan reflejados en esta serie surgen mayoritariamente de su protagonista, Tony Soprano (James Gandolfini), respetable vecino y padre de familia cuya profesión no es otra que la de capo mafioso. Lo interesante de Los Soprano es su realismo, el poder contemplar justamente esto, la vida de un hombre dedicado a sus dos familias, y los distintos comportamientos del personaje en cada ámbito.

Tony Soprano encarna el ideal de los antiguos valores, aquella época en la que los hijos respetaban a sus padres y los hombres eran tipos duros, leales y eficaces en su trabajo. Sin embargo, lo que Tony se encuentra en el mundo exterior simboliza todo lo contrario; falsedad, caos y desobediencia. Esto provoca un choque con sus creencias y le hace sentirse desplazado, hundido. 

Precisamente por eso, es en el mundo interior de Tony Soprano, es decir, en su trabajo, donde se siente cómodo, ya que es aquí donde puede ejercer un control absoluto sobre las personas que le rodean y donde se sostienen aquellos valores con los que ha crecido. Porque si hay algo inviolable para un italiano, es mantener las enseñanzas y la tradición familiar.

En este aspecto podemos encontrar un valor ético importante que merece mención, y es que a pesar de recurrir al asesinato, la extorsión y el robo, el objetivo final que este peligroso mafioso pretende es digno, busca proteger y cuidar de su familia, proporcionándoles lo mejor posible. Por eso se puede empatizar con el personaje ¿Qué marido o padre no quiere lo mejor para su familia?

En el  primer capítulo de la serie observamos este anhelo familiar gracias a un ejemplo en forma de metáfora. Tony ve cómo una bandada de patos que se había asentado en su piscina se va volando, continuando con su migración y dejándole solo. En ese momento el personaje queda aturdido e indefenso, porque esos patos representan en su subconsciente la pérdida de la familia.

Por otra parte, Tony Soprano es también el ejemplo de un hombre de negocios emprendedor que ejerce la labor de jefe con disciplina y sesera, negociando cuando es posible. Como mafioso que es, se mueve en un oficio cruel que se aprovecha del sistema, trata con lo peor de la sociedad y es una pieza importante que actúa en un tablero peligroso, con reglas mortales.

Todos estos elementos son aceptados, incluyendo el riesgo constante a ser detenido o asesinado a sangre fría. Tony Soprano vive en un mundo de violencia porque lo considera necesario, porque no conoce otra cosa, se ha criado en la delincuencia y los ejemplos que ha tenido desde su niñez han sido personas amorales en muchos sentidos.Esto también se revela visualmente en un capítulo en el cual Tony rememora su infancia con su padre y su tío, ambos delincuentes de barrio, amables con sus vecinos y paisanos, a la par que violentos recaudadores.

La doble personalidad que el personaje ofrece le lleva en ocasiones a contradecirse y a desesperarse, convirtiéndole en un cínico con debilidades. Esta hipocresía tiene un efecto reflejado en la serie, podemos comprobar cómo cada decisión tomada afecta a la salud mental de Tony, quien tiene que refugiarse más de una vez en fármacos y en sesiones de terapia para no desmoronarse.

Pero no todos son penurias en el día a día de este protagonista. Tony Soprano vive como un rey, es intocable en muchos aspectos, está rodeado de lujos y privilegios, aunque también de responsabilidades. Esta situación de superioridad le permite acceder fácilmente a ciertos vicios, y es que el poder corrompe. Porque si hay algo humano en los personajes de esta serie, son sus vicios y sus defectos.

La familia tampoco es inocente del todo. Nos encontramos con una mujer fiel y devota que cuida de sus hijos, lee, es tolerante y tiene un gran sentido moral, pero que a la hora de la verdad, deja todas estas cualidades a un lado cuando el dinero está de por medio, prefiriendo no cuestionarse su procedencia.

A pesar de todo, sí hay una rectitud en la serie, personificada en la doctora Melfi, la psiquiatra de Tony. Esta mujer simboliza la bondad, es una mano salvadora que intenta rescatar al mafioso de los pecados y guiarle por el camino de una ética redentora, porque nunca es demasiado tarde para aprender de nuestros errores. Su misión consiste en limpiar la mente y el alma sucia del capo, aliviando su fatiga y obligándole a expresar sus auténticos sentimientos. Si bien sólo consigue a medias su propósito, las conversaciones privadas entre estos dos personajes es posiblemente uno de los mayores encantos de la serie.

La conducta del jefe criminal seguirá siendo despreciable, aunque se podrá notar en el personaje un ligero cambio, una mayor preocupación y profundidad en sus razonamientos, e incluso una inquietud existencialista. La excusa en la que se ampara para justificar lo que hace es el famoso código de honor no escrito que marca las relaciones en la mafia “Somos soldados y los soldados no van al infierno. Es la guerra y los soldados matan a otros soldados. En la situación en la que estamos todo el mundo implicado sabe qué hay en juego…es el negocio. Somos soldados. Seguimos códigos”. 

Para los seguidores de esta gran serie que estén interesados en el tema, les recomiendo encarecidamente el libro "Los Soprano y la filosofía" . Para terminar os dejo la pieza musical que da introducción a cada capítulo, el famoso tema "Woke up this Morning" del grupo americano Alabama 3.

Charlie Kaufman: Montaje ¿Realidad o ficción?

Nombre: Charlie Kaufman

Profesión: Guionista, Director, Productor  y Escritor

Nacionalidad: Estadounidense

Lugar de nacimiento: Nueva York

Edad: 54 años

Filmografía:

 - Cómo ser John Malkovich (1999)

- Human Nature (2001)

- Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002)

- Confesiones de una mente peligrosa (2002)

 - ¡Olvídate de mí! (2004)

 - Synecdoche, NewYork (2008)

 - Frank or Francis (2013)

Aunque este personaje es desconocido para la mayoría de espectadores (que no de críticos) y a pesar de que no goza de la fama de otros compañeros judíos de la profesión, no cabe duda de que Charlie Kaufman es un caso único, un creador especial que está al margen de las reglas de Hollywood.

Este genio incomprendido empezó su carrera en los noventa, en el campo de la televisión, escribiendo guiones para episodios de Búscate la vida, una sitcom sobre un repartidor de periódicos de treinta años, Ned & Stacey, otra comedia que trataba los matrimonios de conveniencia y The Dana Carvey Show, programa del cómico de mismo nombre.

Tras realizar estos proyectos, Kaufman decidió escribir un guión original completo apostando por una película de cine independiente titulada Being John Malkovich (1999), una cinta de humor estrafalario y de fantasía dirigida por Spike Jonze. El resultado de este debut de Kaufman como guionista en el cine fueron un premio BAFTA y tres nominaciones a los Oscar. Su nombre ya no era desconocido para la crítica y pronto se le empezó a considerar como un innovador en el arte narrativo.

El texto de esta interesante película nos plantea la posibilidad de transferir nuestra consciencia al cuerpo de un famoso, en este caso del propio John Malkovich. El tema de la realidad y de la percepción que nos rodea suele repetirse en la obra de Kaufman, es uno de sus patrones que también encontramos, aunque en menor medida, en Adaptation y que nos inunda y aturde completamente en la genial Eternal Sunshine.

Su siguiente trabajo, Human Nature (2001), es posiblemente su guión más prescindible. Esta película es una comedia ligera y disparatada, el conflicto que quiere plantear es la domesticación de un hombre salvaje de la mano de un grupo variopinto compuesto por una mujer peluda, una becaria y un domador de ratones. Sin embargo, la creación de esta película permitió la primera colaboración de Kaufman y Michael Gondry, quienes formarían una estupenda pareja creativa.

El supuesto mensaje moral que quiere dar el film es que con la naturaleza no se juega, y el intento de cambiar unos instintos y unas actitudes primarias es inútil, al final lo que yace bajo la superficie siempre aflora, incluso en los casos más civilizados. La cómica frase que resume el contenido principal de la película es puro humor Kaufman “ En caso de duda, es de buena educación no hacer lo que tengas ganas de hacer".

En su tercera película, Charlie adapta por primera vez una obra ajena a su terreno y realiza un guión basado en el libro de Chuck Barry, Confesiones de una mente peligrosa (2002). La película fue dirigida por George Clooney en su debut como director, no obstante la relación entre Kaufman y Clooney no fue buena debido al montaje final de la película, el cual cambiaba varias escenas escritas por el guionista judío. La historia cuenta la doble vida de un productor famoso de televisión que se dedica a asesinar en nombre de la CIA en sus horas más oscuras.

Al ser un proyecto mandado que parte de una autobiografía, en esta obra no encontramos tanto la firma de Kaufman como en los anteriores, aunque realidad y ficción son mezcladas en la película de forma muy inteligente, adoptando en ocasiones un estilo documental con entrevistas falseadas. Las críticas recibidas fueron buenas y el resultado en taquilla fue favorable también, lo que permitió a Kaufman contar con un mayor presupuesto.

A partir de aquí comienza lo que considero la cumbre de la carrera de Charlie Kaufman y la plenitud de su capacidad creativa ¿Por qué? Porque es en sus dos siguientes proyectos donde este maravilloso guionista pone de manifiesto su arte reinventando lo insulso y donde nos da una lección magistral de cómo debe ser el montaje perfecto de una película, en principio, imposible de estructurar.

Después de haber obtenido experiencia adaptando obras de otros escritores, Kaufman se lanza a uno de los retos más difíciles para un guionista, hacer divertido un libro sobre orquídeas. De esta idea surge Adaptation (2002), película basada en el libro The Orchid Thief de Susan Orlean. Para conseguir amenizar el tema y hacer posible su proyección en cines, Kaufman opta por rodar su propio proceso creativo, convirtiéndose en protagonista gracias a una estupenda interpretación de Nicolas Cage.

Así, en la película somos testigos de cómo un Kaufman mitad ficticio y mitad real tiene que trabajar en un guión sobre una adaptación, vemos cómo se agobia con su proyecto imposible, vemos la relación con su hermano Donald Kaufman y vemos también una historia de infidelidades y de relaciones humanas complejas. Charlie aprovecha en esta cinta para meterse con la industria hollywoodiense y para burlarse de sí mismo, mostrando sus preocupaciones y sus pensamientos más íntimos.

Realidad y ficción vuelven a mezclarse en esta propuesta tan original donde personas reales (guionistas, productores, escritores, etc) son interpretadas por actores famosos de la talla de Meryl Streep y Chris Cooper bajo la dirección de Spike Jonze, responsable de la también genial Being John Malkovich.

Las distintas historias paralelas que Adaptation nos presenta se juntan finalmente en una situación algo surrealista, pero con un elemento común siempre presente, una causa material que sirve como unión o nexo de todos los personajes, la orquídea.

Llega el año 2004 y con él el proyecto más ambicioso de Kaufman. El guionista excéntrico vuelve a hacer pareja con el director francés Michel Gondry, juntos realizarán una película completamente caótica que les llevará a ganar su primer Óscar al mejor guión original. Charlie vuelve al género fantasioso (si bien en este caso podría considerarse ciencia ficción) y toca de nuevo el tema de la metafísica, de una realidad compuesta de recuerdos. El amor, la ciencia y el olvido van de la mano en Eternal Sunshine of the Spotless Mind (¡Olvídate de mí!). Hay que destacar que lo grandioso de este film radica sobre todo en su laborioso montaje.

Kaufman estructura la película como si de un laberinto se tratase, recurriendo a múltiples flashbacks, flashforwards y empezando la narración por el final. El espectador no puede evitar sentirse como un extraño que se ha adentrado en la mente de Joel, el protagonista de la película, interpretado por el mejor Jim Carrey desde El show de Truman. El elemento sobrenatural parte de la existencia de una empresa capaz de borrar recuerdos de personas. El drama es predominante en la película, Kaufman se pone serio y deja el humor a un lado para plantearnos situaciones verdaderamente trágicas en esta complicada historia de amor.

Ver esta creación de Gondry y Kaufman exige un esfuerzo mental por parte del espectador, que será quien tenga que ordenarla en su cabeza para conseguir entenderla correctamente y encajar todas las piezas. El ritmo de la cinta está también muy calculado, y a medida que avanzamos en la historia se va haciendo más trepidante. Aunque Kaufman ya había jugado en sus trabajos anteriores con la narración utilizando escenas subjetivas, creando historias paralelas con un desenlace común y agrupando lo real con lo irreal o bien con lo onírico o ficticio, es en Eternal Sunshine donde demuestra ser un innovador, un narrador único capaz de contarnos una historia intencionadamente desmenuzada.

Con la mayoría de guionistas se puede diferenciar un claro desarrollo y desenlace de una película, pero Kaufman al igual que otros artistas del mundo independiente, intenta siempre salirse del marco para sorprendernos, no hay ningún seguimiento previsible que se pueda deducir, ya que no existe una trama lineal. Para ello, busca situaciones raras, inesperadas y extravagantes que eviten poder desvelar un final cliché. Lo que más mérito tiene el adoptar este estilo de rodar cine, es que todo depende de tu libertad creativa, porque no hay normas que te guíen durante el proceso. La postura del guionista independiente se ha visto muchas veces enfrentada con la imagen de la industria hollywoodiense, y aunque Kaufman no oculta su aversión por el cine comercial, también hay que admitir que no lo descarta del todo (de hecho a veces se deja influir por él).

Otro factor a tener en cuenta en el proceso creativo de Charlie es la repetición de personajes femeninos con un gran carácter, fuertes, espontáneos e independientes, que suelen tener su contrapunto en protagonistas masculinos introvertidos, tristes,  amargados y solitarios. Los hijos que salen de la pluma de este guionista no son felices, y buscan o se encuentran con algo que les anima, que les despierta y les hace reaccionar, saliendo de su insomnio, de una vida aburrida. En esa búsqueda, a menudo, se pierden por caminos extraños que les llevan a la pura paranoia, a una esquizofrenia temporal que terminan superando para volver a replantear todo con una lección ya aprendida.

La evolución de los protagonistas, es por tanto, un desarrollo positivo, hay una maduración o una superación de una debilidad que anteriormente trastornaba y dificultaba cualquier tipo de relación. Y es aquí, en este happy ending, donde pillamos al artista independiente cediendo ante los estereotipos de la industria de Hollywood.

Para terminar, nos encontramos con la última película de Kaufman estrenada en Estados Unidos en 2008. Con este largometraje nuestro guionista dio el gran paso de convertirse en director, asumiendo el control absoluto de su creación. Ya el título puede causar cierta confusión, y es que efectivamente, una sesión con Synecdoche, New York provoca sobre todo, dudas. Nada en Charlie Kaufman es fácil de digerir. El filosófico tema desarrollado en Synecdoche es la vida misma, y sus distintas dimensiones. Volvemos a comprobar que la realidad y la ilusión es una obsesión personal del guionista y director, esta vez enfocada desde el mundo teatral.

El protagonista del film, Caden Cotard, interpretado por un contundente Philip Seymour Hoffman, tendrá el sueño de estrenar una obra de teatro que represente la vida misma, para ello construirá como escenario una réplica real de la ciudad de Nueva York. Con esta película reflexiva Kaufman quiere que nos paremos un momento y contemplemos una belleza ilógica y emotiva llamada vida. Lamentablemente, aunque algunos expertos han considerado este título como lo mejor de la carrera de Charlie Kaufman, las buenas críticas no consiguieron salvar la película del fracaso comercial, pasando bastante inadvertida.

 Sólo queda esperar que el arte ofrecido por este incomprendido genio se siga valorando, y que el nombre de Charlie Kaufman no caiga en el olvido ante las banales superproducciones enlatadas a base de efectos especiales. Porque si hay algo que se pueda afirmar de su filmografía, si hay algún mérito que puede atribuírsele, es que este judío cineasta ha sido capaz de devolver el orgullo al oficio de guionista, aportando elementos nuevos, y sobre todo arriesgados. Este soplo de aire revitalizador es algo muy necesitado en estos días en el cine, y Kaufman es una de las pocas figuras que nos lo proporciona sin recurrir a grandes presupuestos.