Netflix y el público adolescente en España

Nació hace más 20 años y aunque en un principio nadie lo conocía, hoy es uno de los servicios de video on demand más exitosos del mundo. No hay duda de que aunque Netflix ha tardado en aterrizar en España, su llegada ha sido sonora y ya está aquí para quedarse ¿Su truco? Un inmenso y valioso catálogo de series y películas que ha traído la ficción más solicitada para un público acostumbrado a las plataformas digitales y a las redes sociales. La estrategia no es nueva, sin embargo, hay que tener en cuenta un aspecto muy importante que ha permitido diferenciar a esta marca de algunos de sus principales competidores como Yomvi o Wuaki. El enfoque hacia el sector adolescente y joven de la población ha sido uno de los grandes aciertos de la empresa a la hora de ganarse suscriptores aprovechando al máximo la visualización streaming y su inclusión en todos los dispositivos smart disponibles en el mercado.

 

 El siguiente artículo de Zenith muestra una curiosa comparativa recopilando las cifras de los tres grandes servicios de video on demand en tierras españolas con sus ventajas y debilidades: http://blogginzenith.zenithmedia.es/la-situacion-del-vod-espana-2016/ Como bien menciona el texto, otra de las cualidades que marcarán las pautas de consumo de estos servicios en el futuro será la producción propia. Quien apueste o invierta mejor en los proyectos, ya sea fichando a los actores que estén de moda o elaborando los guiones más inesperados con las tramas más sorprendentes, podrán llegar a un público mayor consiguiendo su fidelización. El contenido valioso será la clave en la próxima carrera de series y películas. En este aspecto Netflix también ha abierto caminos a las iniciativas nacionales fomentando la colaboración entre equipos y extendiendo sus influencias. Esta noticia del diario El País es un buen ejemplo de ello: https://elpais.com/cultura/2017/07/13/television/1499942053_784306.html

Sin embargo, el fenómeno que ha supuesto Netflix y sus competidoras no ha sido visto con buenos ojos por todo el mundo. A pesar de su creciente aceptación entre el público adolescente y juvenil, algunos detractores de la plataforma la han criticado duramente por actuar fuera del marco permitido en los circuitos comerciales de la industria del cine. Una de las voces que más se ha hecho oír generando polémica ha sido la del director Pedro Almodóvar, quien no ha tolerado la competición de este tipo de producciones en festivales tradicionales como Cannes, destinados a la gran pantalla: https://hipertextual.com/2017/05/almodovar-y-la-guerra-contra-netflix-en-el-festival-de-cannes

Este hecho ha puesto en evidencia la brecha existente entre los consumidores adolescentes, los milennials, los usuarios de webs online, los clientes de Filmin y demás personas pertenecientes a un mismo grupo, que apuesta por formas digitales y alternativas, y entre el público más maduro que se mantiene en las vías tradicionales recurriendo a la tv y al cine. De momento este último núcleo irreductible presenta el mayor reto para los sistemas modernos de flujo de vídeo. Mientras tanto, la buena imagen, el boca a boca de los espectadores y las notorias campañas de publicidad utilizadas en los momentos y en los lugares más adecuados, son las principales bazas que pueden cambiar el panorama. El canal de Youtube MarketingUp expone algunos ejemplos recientes: https://www.youtube.com/watch?v=FwSkmjnUuMs [caption id="attachment_152" align="alignnone"
 width="564"]
                               Cartel publicitario en la Puerta del Sol en Madrid.

 Por último pero no menos importante, cabe destacar otro factor que puede explicar el furor que está consiguiendo Netflix entre el público adolescente. La mayoría de chicos y chicas de esa edad tienen unas preferencias marcadas y no sólo son consumidores de películas y series teen, sus gustos también abarcan el universo del cómic y de la ciencia ficción y la fantasía. Teniendo esto en cuenta, no es casualidad que la empresa estadounidense haya querido acercarse al terreno de los superhéroes con series como Daredevil, Jessica Jones, Luke Cage o The Defenders, personajes que nacieron en su día a manos de la editorial Marvel.



En la misma línea, aprovechando el tirón del manga japonés en occidente, la compañía de video on demand también ha adquirido los derechos para adaptaciones de obras como Death Note, del ilustrador Tsugumi Ōba, un referente que cuenta ya con diversas versiones y homenajes que han pasado a ser parte de la cultura pop. Del mismo modo, el cómic clásico americano no ha quedado excluido de la ecuación y ha sido rescatado y renovado para el estreno de Riverdale, una serie basada en las aventuras de Archie y sus amigos.

 

No obstante, aunque los fans de estos productos audiovisuales no suele superar la treintena de edad, en el catálogo de Netflix se han dado a su vez algunos casos excepcionales que han arrasado en diferentes targets juntando hábilmente varios elementos. Como ya he mencionado anteriormente, los géneros de la ciencia ficción y la fantasía son muy propensos a enganchar al público adolescente. Si a esto se le añade el factor nostalgia y guiños al cine de los 80, el resultado puede ser un triunfo absoluto que deje pegados a la pantalla a distintas generaciones al mismo tiempo. El ejemplo más representativo y que a más de uno le vendrá a la cabeza es Stranger Things, una auténtica oda a Spielberg y otros directores como Joe Dante, Richard Donner o John Landis entre otros.

Como podéis ver, el trailer preparado para su segunda temporada vuelve a retomar a la misma pandilla de niños frikis en un mítico salón de recreativos al ritmo del Thriller de Michael Jackson. Por si esto fuera poco, en el clip puede apreciarse también un ambiente de Halloween muy retro y aterrador que coincidirá con las fechas de estreno a finales de octubre ¿Se puede planear mejor?

Anne Rice recupera sus 'Crónicas vampíricas' después de 10 años

Anne Rice cultivó un éxito sin precedentes que enganchó tanto a adolescentes como a adultos. Su primer libro, 'Entrevista con el vampiro', no tardó en convertirse en un bestseller, y al mismo tiempo supo aportar un aire nuevo a la figura del vampiro gótico dotándole de humanidad. El tedio por la inmortalidad, las crisis existenciales y las atracciones sexuales marcarían un camino a seguir para estos seres legendarios.

La película, protagonizada por Tom Cruise y Brad Pitt (las caras bonitas del Hollywood de los 90) no hizo otra cosa que aumentar la difusión de su obra gracias a la buena mano de Neil Jordan, que ya se había curtido con los hombres lobo en su film 'En compañía de lobos' de 1984. Menos acertada fue la adaptación de su tercera novela, 'La reina de los condenados', dirigida por Michael Rymer en el 2002 y vapuleada por la crítica.

Las sagas de Rice precedieron un fenómeno que aún se conserva y se rentabiliza hasta la saciedad con títulos clónicos. De hecho, tras varios años silenciados en el ataúd, los vampiros vuelven a estar de moda más que nunca gracias al testigo recogido por Stephenie Meyer. Qué mejor momento para retomar las aventuras del querido y odiado Lestat, personaje clave en las novelas de 'Crónicas vampíricas'. Ha tenido que pasar más de una década para que 'El Príncipe Lestat' se dignara a aparecer en Ediciones B después de que su creadora coqueteara con las historias de brujas, momias y ángeles, prácticamente el panteón completo de seres sobrenaturales.

En el argumento de esta nueva entrega de la saga, la undécima ya, Rice sitúa al lector en una lucha interna entre los vampiros más ancianos y los no muertos más jóvenes. Pasado y presente se mezclarán en una trama ambientada en Nueva York, Egipto, Cartago o Roma. Esta ambiciosa y oscura aventura traerá a la vuelta a toda la familia de bebedores de sangre ideada por la autora estadounidense a lo largo de sus obras. El sensible Louis de Pointe du Lac, el eternamente joven Armand, el "hijo del milenio" Marius o David Talbot, el vampiro guardián del secreto de Talamasca, serán algunos de los invitados estrella en este 'Príncipe Lestat'.

El volumen salió a la luz en inglés el 28 de octubre del 2014, pero la traducción no llegó a nuestras tierras hasta finales de marzo de este año. Veremos si la luz del sol acaba con este ejemplar en las librerías o, por el contrario, Rice vuelve a hacerse con el título de reina de la noche.

Acrobacias en el espacio

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3116

 

La hostilidad del espacio ha sido reflejada en varias ocasiones por directores más o menos talentosos, ya sea en forma de asteroide gigante como hizo Michael Bay en Armageddon o recurriendo a alienígenas aterradores, la mayoría de las veces antropófagos. No obstante, en Gravity Alfonso Cuarón opta por algo mucho más simple e inteligente, el enemigo es la inmensidad misma, la soledad que produce el estar tan alejado de la sociedad.

Este thriller de ciencia ficción apuesta esencialmente por la tensión, el espectador presenciará una lucha constante por la supervivencia de dos astronautas interpretados por George Clooney y Sandra Bullock. La historia comenzará con una sencilla misión rutinaria de mantenimiento comandada por el veterano Matt Kowalsky, aunque la protagonista, sin embargo, será la doctora Ryan Stone, una novata que guarda un pasado familiar algo trágico. Unos cuantos fragmentos de basura espacial pondrán en jaque al equipo, llevándoles a situaciones extremas de vida o muerte.

El destino de Stone dependerá de una cercana estación espacial, la única posibilidad de regresar a la tierra. Si bien el argumento puede parecer muy típico a primera vista, lo cierto es que Gravity no cae en ningún momento en el aburrimiento, Cuarón dota de una tremenda personalidad al espacio, convirtiéndolo en un enemigo a batir. El uso del 3D, acentúa además esa atmósfera angustiosa que deben de sentir los astronautas cada vez que se dan un "paseo" por las estrellas, una tarea bastante peligrosa.

La película está perfectamente apoyada por los efectos especiales, los cuales son utilizados muy acertadamente en los momentos de mayor peligro. El tiro de cámara es otro de los elementos sorprendentes del film, el director consigue desplazar al público sin problemas a un mundo oscuro y silencioso mediante planos subjetivos cargados de estrés.

En la cinta también hay pequeños momentos dedicados a la belleza con hermosas vistas del planeta azul y con reflexiones esperanzadoras, hay en definitiva un mensaje positivo a pesar de las terribles circunstancias. Es difícil encontrar defectos a una película espacial con una producción tan elaborada. Puede que lo único que se eche en falta durante el largometraje sea una mayor presencia de Kowalsky, el carismático personaje encarnado por Clooney, que no queda del todo explotado, aunque también hay que reconocer el esfuerzo físico realizado por Bullock en las numerosas escenas de acción.

El guión, escrito por Alfonso y Jonás Cuarón, padre e hijo, entretiene de principio a fin y define bien a los dos astronautas sin profundizar demasiado. El autor de Y tu mamá también cambia aquí completamente de registro acercándose más al sistema made in hollywood propio de los grandes estudios, ese estilo que se cubre normalmente de espectacularidad concediendo un rol secundario a los diálogos, lo cual, en este caso concreto no está nada mal, pues los textos de los personajes aportan únicamente avisos informativos para los más despistados, pero no son indispensables.

Por si no había quedado claro el talento del director mexicano en anteriores obras como La princesita (1995) Y tu mamá también (2001), Harry Potter y el prisionero de Azkaban o Hijos de los hombres (2006), con Gravity Cuarón da el toque de gracia revelándose como uno de los mejores cineastas extranjeros de los últimos tiempos.

Noticia en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/noticia.php?rev=802&cod=35099

El director bilbaíno Álex de la Iglesia intervino este viernes como invitado en el programa Los desayunos de TVE para dar a conocer su próxima película, Las brujas de Zugarramurdi, que llegará a las salas el próximo 27 de septiembre.

De la Iglesia describía su nueva cinta como una comedia de evasión fantástica con estas palabras: "Llega un momento en el que todos queremos escapar e ir a un mundo fantástico, aunque sea de brujas". El cine social y los Oscar fueron otros temas de conversación propuestos por María Casado en el programa.

Ante estos asuntos, el director confesaba su admiración por las medidas adoptadas en Francia para incrementar el público del séptimo arte y revelaba su falta de tiempo a la hora de presentar la película para los premios "Lo que pasa es que no la había acabado, no tuve tiempo de presentarla. Es una película complicada y hasta el último momento estaba retocando".

El director también reservó comentarios sobre la economía y la política de España declarando su miedo y rechazo al cine político "Hay que ser muy listo para saber entretener y hacer pensar al mismo tiempo". De la Iglesia terminó defendiendo la televisión de calidad que se preocupa por la audiencia adulta "Se trata de convencer a la gente. Hay que arriesgar más, hasta que una persona no da el primer paso y tiene éxito no se apuesta por este tipo de series".

Durante la entrevista el cineasta dedicó unas palabras a los actores con los que ha trabajado en esta última cinta, entre los que se encuentran Hugo Silva, Mario Casas y Carmen Maura "Cuando una persona sabe hacer su trabajo más fácil le es gestionar su ego. Es más complicado trabajar con alguien que acaba de empezar". El film se centra en el robo de una tienda de compro oro y a la posterior huída de los atracadores hacia una terrorífica Navarra.

El largometraje ya ha podido verse en el Festival Internacional de Cine de Toronto. Las brujas pudieron exhibirse en la proyección del último día programada dentro del certamen canadiense, que es la antesala de los estrenos más importantes de la temporada para Hollwywood.

Extraños en la oscuridad

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3100

Se ve que el thriller psicológico es el género en el que más cómodo se siente el director Joseph Ruben a la hora de rodar una película. Autor de anteriores títulos significativos como Durmiendo con su enemigo o El buen hijo , Ruben siempre ha mostrado un interés por la sospecha y la desconfianza en las relaciones humanas. Su nuevo trabajo Atrapada en la oscuridad, es otro ejemplo más que sigue esta tradición.

El film nos presenta un argumento ya conocido que poco tiene que aportar, utilizando el truco de la ciega desvalida con la historia de la protagonista, Sara Taylor, una fotoreportera destinada en Afganistán que pierde la vista en un atentado. Prácticamente desde el primer momento del largometraje, exceptuando la primera escena bélica, da la impresión de estar presenciando un remake del clásico Sola en la oscuridad , protagonizada tiempo atrás por la coqueta Audrey Hepburn.

Aunque menos teatrera que su predecesora, Atrapada en la oscuridad falla en el punto más importante, que es su propuesta de hacer temblar al público de suspense. La tensión no termina de llegar y el espectador se da cuenta impasible de que la trama no guarda ya ninguna "sorpresa" predecible. Prácticamente toda la acción del film se sitúa en un ático espacioso de Nueva York donde se esconde un pequeño secreto que podría valer millones.

A pesar de partir desde una prometedora premisa, ni la convincente interpretación de Michelle Monaghan ni el maquiavélico papel reservado para Michael Keaton bastan para que esta película de ladrones dispare la adrenalina. En ese sentido, podría compararse con una réplica de La habitación del pánico mal llevada, sin ansiedad, terror o angustia. Keaton da vida a un personaje amoral y astuto dispuesto a utilizar todos los engaños posibles para hacerse con el botín, mientras que Barry Sloan representa la cara salvaje y violenta del atraco haciendo de tipo duro.

El desenlace, por otra parte, es capaz de dejar un buen sabor de boca que compensa la inactividad emocional del metraje,ya que es en los últimos minutos donde se condensan los elementos más interesantes de la cinta. Sin embargo, Atrapada en la oscuridad depende de demasiados tópicos como para permitirse ser un éxito en taquilla.

Criminales en el gimnasio

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3097

Michael Bay deja aparte a sus monstruos metálicos de Transformers con el objetivo de recuperar a sus antiguos seguidores, esos que enloquecían con las buenas dosis de tiroteos, adrenalina y explosiones espectaculares a las que el director les tenía acostumbrados. El cineasta se traslada al Miami de los años noventa para adaptar una historia real sobre un secuestro chapucero, maquinado por un grupo de culturistas ambiciosos que se sienten predestinados a alcanzar el sueño americano. El título está encabezado por un fanático Mark Whalberg que arrastra bastantes traumas mentales y un Dwayne Johnson que más que una roca parece una montaña, sensiblera y religiosa, eso sí.

Dolor y Dinero cuenta una historia simple sobre unas personas simples, por no decir cortas, que lamentablemente se dejarán llevar por sus fantasías secuestrando al cliente de un gimnasio. Bay satura el metraje con secuencias de persecución, asesinatos fallidos, torturas tronchantes, pesas y muchos, muchos músculos. Los secundarios de la película, representados por Tony Shalhoub y un siempre bien recibido Ed Harris, aportan la seriedad y la calidad del film, pues es su presencia la que distingue esta producción de cualquier otra comedia facilona made in hollywood.

El pero que podría encontrarse a la película del director californiano es la exageración, el exceso constante de situaciones límite alejadas precisamente de la realidad, las cuales ponen en duda el supuesto mensaje satírico de la cinta, debido a su contenido chulesco y macarra. A pesar de su falta de sutileza, la obra consigue hacer reflexionar al espectador gracias a la voz en off del protagonista, pues es de ahí de donde emerge indirectamente una crítica a la soberbia, la envidia y a una competitividad malsana.

De las actuaciones del reparto es la de Dwayne Johnson la que más sorprende, teniendo en cuenta su recorrido cinematográfico. El luchador profesional otorga los momentos más graciosos sin lugar a dudas, dando forma a un personaje devoto y pánfilo que termina por corromperse. Mark Whalberg cumple correctamente con el papel de líder insatisfecho causante de todos los problemas, mientras que Anthony Mackie, el tercer miembro del grupo, pasa bastante inadvertido.

En cuanto a Bay, es de agradecer que se tome este parón para volver a sus raíces y mostrar algo de personalidad, después de que los blockbusters se hayan apoderado de toda su vena creativa. Dolor y Dinero no es La Roca , de hecho ni se le acerca, pero sí que tiene, y mucho, de Bad Boys , su primer largometraje.

El resultado final es una película entretenida, con un buen presupuesto que se hace notar en las escenas de acción, aunque siendo Michael Bay tal vez haya menos de las que la gente pueda esperarse, y sobre todo accesible y fácil de seguir, aunque no haya que tomársela muy en serio.

Frontera espacial

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3070

La historia nos presentará a un capitán Kirk castigado y cuestionado por sus superiores y a un Spock confuso que se debatirá entre la amistad y la obediencia al reglamento. La auténtica trama del título comenzará con una misión secreta asignada a la ya mítica Enterprise. La conocida tripulación deberá dar caza a un traidor fugitivo, John Harrison, que se oculta en la frontera de los klingon, pero el viaje no será nada sencillo.

El inicio acelerado de la película bien podría ser una parodia galáctica de Indiana Jones; la reliquia, la huida de los nativos y los chistes malos hacen cuestionar bastante la integridad de la cinta. No obstante, este cuestionable comienzo cumple con su función, sirve para presentar a los personajes a un público desconocido y para introducir uno de los conflictos que desarrollarán el argumento. Cabe destacar el magnífico trabajo realizado por el equipo de diseño en las recreaciones de los escenarios, realmente verosímiles y fantásticos a la vez.

El tono de la película nunca llega a quedar claro del todo, si bien los guiños a los fans son bien recibidos, los diálogos de los personajes, especialmente las frases de Kirk, se mueven dentro de una chulería más propia de una película de adolescentes que de la ciencia ficción. Las continuas bromas lanzadas fuera de contexto tampoco ayudan a tomarse en serio el largometraje, que patina una y otra vez cada vez que intenta dar una explicación coherente.

A pesar de estas deficiencias, la película va cobrando cierta intensidad según avanza, consiguiendo algunas escenas de tensión bastante logradas, como la del paseo espacial. La elección de Benedict Cumberbatch como villano es otro plus de la cinta, cada vez que hace una aparición en la pantalla el interés aumenta progresivamente. El guion de la aventura, firmado por Alex Kurtzman, Damon Lindelof y Roberto Orci, guarda alguna que otra sorpresa que conectará esta entrega con antiguas películas de la saga, y posiblemente también con futuras.

El ejercicio realizado por J.J. Abrams contentará a los espectadores que adoren la ciencia ficción, las escenas de acción y los buenos efectos especiales,ahora en 3D. Sin embargo dejará algo fríos a los seguidores acérrimos de las antiguas películas de Star Trek y a aquellos que esperen algún resquicio intelectual, presente en los títulos clásicos.

La última excursión

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3066

Jesse (Ethan Hawke) y Celine (Julie Delpy) se vuelven a juntar por tercera vez en Grecia. Ya han pasado casi veinte años desde que se conocieron en un tren a Viena y nueve desde su reencuentro en París.

La idea de juntar a una pareja de enamorados siempre a contrarreloj en distintas ciudades europeas y con saltos en el tiempo permite al director describir un proceso de maduración real de dos mentes inquietas que van envejeciendo progresivamente pero que, sin embargo, se siguen anhelando en secreto.

Los protagonistas ya no son adolescentes precisamente, el paso de los años ha impuesto sus condiciones, y aunque Jesse ha conseguido comprometerse finalmente con su amor verdadero, el matrimonio no es perfecto. Los antiguos lazos familiares del personaje y la pérdida de la pasión pondrán a prueba la estabilidad de la pareja, que ha decidido pasar unos días de vacaciones en Grecia para aclarar las cosas.

En esta parte de la saga tampoco faltarán los largos paseos turísticos y las reflexiones pseudo filosóficas sobre el amor. Linklater, con la inestimable ayuda de sus actores fetiche, vuelve a ofrecer una película breve, aunque de mayor duración que las anteriores, en la cual aprovecha cada minuto del largometraje para inundar al espectador de diálogos ingeniosos que componen en definitiva el corazón del filme.

Los personajes debido a sus nuevas responsabilidades se han vuelto más amargados y esa magia del flechazo que mandaba sobre todo en Antes del amanecer ya no existe. La evolución de Jesse y Celine planteada en Antes del anochecer es coherente, una vez que los sueños ya se han conseguido, lo que toca después es luchar por mantenerlos.

La química entre Hawke y Delpy se hace tan evidente y natural que uno se pregunta si realmente es una relación ficticia. Parece ser que con este ejercicio final el director pone la guinda del pastel a una historia de amor longeva que aparentemente se cierra. Cabe destacar la colaboración de los dos actores protagonistas en el guión y en la elaboración de sus personajes.

Estupenda obra independiente muy adecuada para un público que tenga ganas de escuchar. Para el que no conozca el estilo de Linklater puede resultar algo tediosa, ya que como de costumbre en el realizador, el mensaje es más importante que la acción.

Un papá con faldas

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3061

La película de Sarah Judith Mettke desarrolla la búsqueda de la identidad y el dilema sexual, conflictos presentes tanto en la figura del padre como en la hija. El distanciamiento entre estos dos personajes se irá estrechando a medida que la protagonista conozca a la mujer cariñosa que lucha por seguir teniendo un vínculo familiar.

La convivencia a la que se verán expuestas Maren y Sophie dará lugar a diálogos cómicos muy naturales surgidos de la desesperación de la situación. La pareja del filme comenzará actuando como unas completas desconocidas que no guardan nada en común, y aunque el drama familiar no se elude en el largometraje, es inevitable mantener el buen humor gracias a las pequeñas bromas intercaladas en cada escena. La banda sonora elegida, compuesta por cantantes masculinos de potentes voces graves y guturales, ayuda además a enfatizar el carácter cómico de la película.

Luisa Sappelt cumple con su papel de chica resentida y borde que poco a poco va abriéndose a los demás. Sin embargo, es en el actor Deivid Striesow en quien encontramos las bases sobre las que se sustenta el éxito de la película. La interpretación que Striesow hace de una mujer insegura, afable, feminista y cómica, es notable. También hay que mencionar el maravilloso trabajo de caracterización del personaje, ya que la vestimenta, el maquillaje y los gestos de Sophie son el auténtico espectáculo de Transpapa.

La aportación que Mettke otorga al cine queer se basa en la comparación y las similitudes presentes en el proceso de adolescencia y en el cambio de sexo. El espectador apoya inconscientemente a esos dos proyectos de mujeres que interactúan intentando ser una familia tradicional pese a las dificultades que les plantea la vida. Todo un logro para una obra que en un principio se presentó como un trabajo de fin de carrera pero que ha acabado siendo una emocionante declaración de principios familiares.

 

¿Tiene futuro el 3D?

Crítica en LaSemana.es: http://www.lasemana.es/cine/noticia.php?cod=34473

El célebre realizador de películas James Cameron, famoso por filmes como Titanic o Avatar, ha criticado recientemente el uso que la industria hollywoodiense está dando a la tecnología en 3D. El festival Tag df, celebrado en la ciudad de México, ha sido el lugar elegido por el director para transmitir sus opiniones a los cineastas, músicos y empresarios de internet que asistieron al evento.

Este autor canadiense se ha caracterizado siempre por introducir efectos especiales novedosos y modernos en sus obras, desde la ya lejana Terminator estrenada en 1984, hasta los próximos proyectos futuristas que está fraguando en la actualidad, entre los que se cuentan una secuela de Avatar y la película cyberpunk Battle Angel. Durante la entrevista conducida por el cineasta Alfonso Cuarón, Cameron explicó que el éxito de una película no depende únicamente del 3D, el instinto es igual de importante “un surfista no puede crear una ola, pero sí puede elegir un buen momento para hacer un buen movimiento”.

Estas declaraciones retoman el candente debate que enfrenta al cine clásico y tradicional con las nuevas herramientas desarrolladas por la tecnología CGI (Imágenes generadas por ordenador). Varios profesionales de la industria han mostrado su rechazo a este nuevo lenguaje cinematográfico, directores de acción como John Woo afirman que “una película lo que requiere es una buena historia”. A la lista de opositores se suman también artistas del momento como Christopher Nolan, que prefiere otro tipo de técnicas “he hecho pruebas con el 3D y la oscuridad que deja en la película es extremadamente alienante. Aunque a nivel técnico el 3D sea fascinante, no es un sacrificio que esté dispuesto a hacer”.

Por el contrario, otros directores venerados como George Lucas y J.J. Abrams siguen optando por el respaldo que el 3D supone para sus estrenos de ciencia ficción. De la misma forma, Disney también ha aprovechado la oportunidad de las tres dimensiones para relanzar sus clásicos como nunca se han visto.

También se está dando el caso de vacas sagradas de la historia del cine, que han dado su brazo a torcer, como Coppola, Spielberg y Scorsese, auténticos pesos pesados de la industria a los que en un principio nunca se asociaría con este tipo de efectos. No obstante, sus últimos films hablan por sí solos, Tintín y La invención de Hugo son ejemplos claros de cómo los efectos por ordenador pueden adaptar mundos brillantes del cómic y de la fantasía.

Sin embargo, los miedos más profundos surgen por parte del gremio de actores, que consideran la animación en 3D como una amenaza directa que puede poner en peligro los contratos de muchos de ellos.

¿Están la informática y el diseño reñidos con la interpretación?

Tercera mañana de resaca

Crítica en Lasemana.es: http://www.lasemana.es/cine/critica.php?cod=3050

 

¡La pandilla vuelve! Una vez más Stu, Phil, Doug y Alan se reúnen en circunstancias trágicas para verse envueltos en una trama de mafiosos y ladrones. Los chicos tendrán que ir en búsqueda y captura de su antiguo colega Chow, quien se ha escapado de la cárcel en Tailandia para crear múltiples problemas.

Por otra parte, un muy trastornado Alan irá viviendo un lento proceso de maduración a medida que el grupo va enfrentándose a los problemas y reuniéndose con viejos amigos. Las nuevas aventuras llevarán a la tropa a México y a Las Vegas con disparatadas consecuencias. La fórmula de la película sigue siendo la misma que en las entregas anteriores, aunque en esta ocasión no haya ninguna despedida de soltero ni fiesta inicial. Los protagonistas tendrán un tiempo límite para salvar a Doug de las garras de un malhumorado John Goodman que reclama la cabeza de Leslie Chow a cambio.

El director Todd Phillips sigue uilizando su humor desmedido combinado con situaciones extremas para provocar la risa del público, y lo cierto es que lo consigue. A pesar de ser una tercera parte, el resultado se mantiene fresco y no defraudará a los seguidores de esta saga. La banda sonora tampoco es desdeñable, las canciones elegidas de artistas como Billy Joel, Harry Nilson o The Coasters encajan perfectamente con el argumento. A esto hay que añadir las curiosas interpretaciones musicales que nos ofrece Ken Jeong en las escenas más memorables de la película. La actuación de Galifianakis además continúa ofreciendo otro de los platos fuertes de la franquicia con esa bis cómica que explota tanto su naturaleza infantil.

Los espectadores que hayan seguido las tramas anteriores se verán recompensados con este final digno que aglutina prácticamente todos los elementos hilarantes y a todos los personajes destacables de Resacón en Las Vegas y de Resacón 2 ¡Ahora en Tailandia! La única ausencia notable en el rodaje es la de Mike Tyson, su presencia podría haber redondeado la despedida de la trilogía, aunque la reaparición de la atractiva Heather Graham será un aliciente para muchos.

La película no es ninguna obra maestra del humor y su visionado no es imprescindible para un amante de la buena comedia, no obstante entretiene, el ritmo de la película no se hace pesado en ningún momento, el guión cuenta con más de un giro inesperado y uno puede hasta encontrar breves momentos románticos y melancólicos propios de un drama. En definitiva, el filme cumple con las expectativas creadas estos últimos años y es a su vez un buen producto para los iniciados que quieran formar parte de este viaje disparatado.

Los hermanos del invierno

 

La historia cuenta cómo unos pilotos alemanes e ingleses sobreviven a una batalla aérea para después verse forzados a convivir en una aislada cabaña de las montañas noruegas alejados de cualquier vestigio de civilización y alejados también de la guerra que se está librando en Europa.

Las dificultades del invierno pondrán a prueba a los soldados, que inevitablemente acabarán colaborando para salir con vida, a pesar de ser enemigos. La escasez de alimentos y las condiciones climáticas serán los nuevos adversarios a abatir. Los alemanes, que un principio se mostrarán fríos y distantes con sus compañeros de habitación ingleses, poco a poco irán cediendo en camaradería compartiendo todos los recursos disponibles con sus prisioneros.

Rupert Grint, el archiconocido Ron Wesley de la saga de Harry Potter ofrece aquí un papel más dramático con un personaje bravucón que busca hacer desesperar a los pilotos alemanes a base de criticar las costumbres germánicas y de limpiarse el trasero con las páginas de Mein Kampf.

Sin embargo, es en Florian Lukas, el teniente Horst Schopis, en el que recae la mayor carga argumental, pues la evolución de su personaje es clave para que el espectador pueda comprender la estupidez de la guera y la importancia de una amistad.

A pesar de situarse en una etapa tan cruel como fue la Segunda Guerra Mundial, la obra posee un gran optimismo y el tema es tratado desde un punto de vista pacifista alejado de la política. Prácticamente todas las escenas del film cuentan con diálogos divertidos y amenos que relajan la tragedia que los personajes están viviendo.

La terrible experiencia terminará por ser enriquecedora para ambos grupos aunque la realidad bélica se impondrá finalmente cobrando su peaje particular, no en vano la historia narra un suceso real, aquí no hay ningún final made in Hollywood.

Paraíso Perdido: Análisis documental

Esta vez quiero dejaros un trabajo voluntario que realizé hace ya unos meses. La única condición impuesta por la profesora consistía en que el texto tuviera relación con la opinión pública, por lo que enseguida me vino a la cabeza un documental que había visto recientemente sobre un juicio polémico acontecido en Arkansas durante los años noventa. El material que ví me impactó al instante, no sólamente por las características sensacionalistas del caso, sino por la forma de contarlo, los testimonios expuestos y la estupenda banda sonora de Metallica que tan bien encaja con el ambiente carcelario.

Paradise Lost es un intenso proyecto que comenzó en 1996, justo al mismo tiempo que juzgaban y condenaban a los 3 adolescentes sospechosos del asesinato, ya famosamente conocidos como "los tres de Memphis". El documental consta de tres partes distintas que conjuntamente componen un seguimiento completo del caso, desde sus inicios hasta su resolución en el 2011.

No quiero desvelar ningún contenido importante, aunque puede encontrarse fácilmente en la web por su relevancia, así que si sois demasiado ansiosos como para leer mi trabajo, os invito al menos a informaros sobre el tema, o ver los documentales directamente. Para los pacientes que dessen leer el análisis ya os adelanto que en las páginas encontraréis una crítica especializada de Paradise Lost, así como múltiples referencias a otras obras similares o películas que han influido profundamente a la sociedad. 

El trabajo presenta también una reflexión sociológica y una severa crítica al sistema penal estadounidense. Creo que con esto no me dejo nada en el tintero, ya he expuesto todos los puntos importantes. Espero que sepáis apreciar esta joya de documental y podáis valorar su importancia reivindicativa. Gracias.

https://docs.google.com/file/d/0B8zz1h_neDTDQ0ZWR0tudHpnVXM/edit

La infancia madura

Hola a todos, espero que hayáis pasado unas buenas navidades y fin de año. Tras lidiar con unos cuantos exámenes, trabajos y problemas burocráticos vuelvo para hablar de un producto televisivo de los 90 que muchos recordaréis con cariño. Si os menciono los nombres de Paul Germain y Joe Ansolabehere pensaréis seguramente que os hablo en chino (especialmente por el apellido del segundo)

Sin embargo, estos dos guionistas han jugado un papel clave en nuestros años mozos, divirtiéndonos muchas mañanas frente al televisor, y lo que es más importante, formándonos como personas. Tal vez la carrera de Germain es más talentosa e importante, pues ha sido el alma de muchas series infantiles célebres como Rugrats, Lloyd en el espacio, o Beethoven, además de actuar como colaborador en algún capítulo de Los Simpsons. 

Este guionista californiano no se ha limitado solo al mundo de los dibujos, también ha colaborado en los guiones de comedias ochenteras muy amables que aunque no destaquen por ninguna brillantez o genialidad, siempre han conseguido dejarnos una sonrisa en la cara. Este es el caso de "Big", interpretada por un jovencísimo Tom Hanks, o "Say Anything" primer filme dirigido por Cameron Crowe.

 

 

                     

                      

En toda la obra de Paul Germain hay una conexión especial con los niños, quienes suelen ser los protagonistas de la acción, a menudo guiados por su fantasía. Esto no quiere decir que en sus diálogos no haya una lógica y un razonamiento aplastante por parte de los renacuajos, pues muchas veces, a pesar de los desvaríos imaginativos, son ellos mismos los portadores de las lecciones maduras, las que nos hacen reflexionar y evolucionar.

Estas lecciones de vida que no sólo nos entretienen sino que también nos ayudan a crecer en todos los sentidos, quedan perfectamente plasmadas en la que para mí es sin duda, la mejor creación de Germain y Ansolabehere, la serie "La banda del patio". En ella, somos testigos de como un grupo de amigos tendrá que enfretarse a las dificultades que la vida les va imponiendo, desde el despotismo de los adultos hasta la concepción de la muerte, el alienalismo impuesto por las modas o el fin de la inociencia. 

Pero para los que no la hayáis visto no os asustéis, que el tono de la serie dista mucho de ser trágico y existencialista. Quizás sea ese el motivo de la grandeza de estos dibujos, la forma que tienen de contar estas dificultades vistas desde los ojos de unos escolares que se defienden unos a otros con el compañerismo, la solidaridad y su código del recreo no escrito. Y aquí nos topamos con otro gran acierto de sus creadores, la idea de situar todas estas aventuras en el patio de una escuela, donde podemos ver la jerarquía que hay establecida entre los niños, a veces realmente desternillante.

Dentro del hábitat del patio encontraremos a lo largo de la serie a muchos secundarios interesantes, con funciones específicas y algo planos en su creación, pero que sin embargo sirven perfectamente como complementos ideales en los capítulos. Las situaciones o conflictos tratados en los episodios consiguen gracias al carisma de los protagonistas crear una empatía instantánea, uno no puede evitar verse a sí mismo de niño enfrentándose a problemas parecidos.

 

 



Para los que no os acordéis bien de la serie, os pongo a continuación los perfiles de la pandilla protagonista y de algunos personajes más:

• Theodore Jasper "T.J." Detweiler

Es el líder del grupo. Normalmente lleva una gorra de béisbol al revés, es el que piensa siempre los planes. En una ocasión se reveló que la J de T.J. significa Jasper. Tiene una hermana llamada Becky que sólo aparece en la película de la serie y está doblada por Melissa Joan Hart en la versión inglesa y por Marta Barbará en la versión española. En un episodio se besó con Spinelli. Es un gran fan del superhéroe de cómics "Señor Fusión" (inventado en la serie).

• Ashley Funicello Spinelli

Una chica a quien le encanta la lucha libre. Sus amigos la llaman siempre por su apellido, y más cuando descubren que su nombre de pila es Ashley. Algunas veces ha mencionado a su hermano (dice que está en la cárcel) pero nunca ha aparecido en la serie. No le gusta parecer afeminada, y comparte la pasión por la lucha libre con su padre. Conocida támbien como "Shemale". Su madre es una vieja amiga de la Muriel P. Finster y, esta accede a cuidar de Spinelli. Aunque al principio Spinelli la odiaba, en el fondo se hicieron amigas y bailan la "chica hula" juntas, sus amigos la ven por una ventana y juran jamás contárselo a nadie.

• Vincent Pierre "Vince" La Salle

Es un perfecto deportista, siempre está ayudando a los demás y es el alumno preferido de el maestro de educación física. Su mayor modelo a seguir es su hermano mayor, aunque, tiene miedo de ser tan parecido a él, que tome la forma de un "tonto" o "nerd".

• Gretchen Prunella Grundler

Es muy inteligente y con un gran talento para estudiar. Conocida como "Chica Lista" por los mayores, incluido el Rey Bob. Era admirada por un chico llamado Jeffrey en un episodio, pero no volvió a aparecer. Se caracteriza por ser sensible y "nerd" y por sus granos y pecas sobre la cara. Según sus expedientes, tiene una asistencia perfecta y sin antecedentes de ningún tipo. A excepción de una vez en que escribió en el pizarrón una palabra "mala" creyendo que tenía otro significado.

• Michael "Mikey" Blumberg

Le gusta comer, es muy poético y filosófico. Además es un gran cantante, el mejor de la escuela. Escribe poesía, baila danza clásica y es pacífico, aunque por su tamaño no lo parezca. Se caracteriza también por ser gordo y menos avanzado intelectualmente, cualidades que le convierten en blanco de todas las burlas. En un episodio se descubre que cuando iba en kinder perdió una carrera, lo que hizo que todos se burlaran. A este chico le encanta comer de todo, en el episodio 'Volver al Receso' llega 'Mikey', el del futuro, quien dice que de grande trabaja como sicario de guerrillas en las cuales sobrevive por comer latas de aluminio. Una de sus frases más celebres es cuando el último día de clases, se despide de TJ, y este le dice que lo extrañará por siempre, con la simple palabra de 'Te amo', él llora y se va alejado.

• Gustav Patton "Gus" Griswald

El niño nuevo de la escuela, aunque en un episodio se rebela que había asistido al kínder en esta escuela. Viene de una disciplinada familia militar, queriendo ser militar de mayor, como su padre. Es inseguro, bajito, y teme a las bacterias. Al principio todos lo conocían como "El niño nuevo" en acordanza con la ley del recreo. En uno de sus antiguos colegios era conocido como "El Diablo", "El jugador de Lanzar y Esquivar la Pelota más rápido del Oeste" , hasta que un trágico día golpeó a un niño pequeño por error. Esto no se supo hasta el capítulo llamado "Pelota City" donde T.J. retó a los de quinto en una absurda apuesta: los de 4º contra los de 5º, apostando las canicas de todos los jugadores. En ese capítulo, los de 5° golpearon por error al chiquillo que admiraba a Gus, a quien llama "Don Seguridad", y fue donde por última vez volvió a jugar a ese juego y ganó derrotando a todos los de 5º. Es el único que no sabe que Mikey perdió la carrera en el kínder porque no estaba y sus amigos juraron al cuadrado no decirlo. Al parecer, de grande va a ser más alto y corpulento que su propio padre. Una vez tuvo un romance con la hija de un capitán de la marina, enemigo de su padre llamado Juan María.



• Muriel P. Finster

Es la profesora que se encarga de mantener el orden en el comedor y en el recreo. Siempre estará castigando a los alumnos que se porten mal, prestando especial atención a T.J. y sus amigos. Para descubrirlo, utiliza a Randall como espía y soplón. Es de edad avanzada y muy gruñona. Sin embargo, es muy luchadora, y adora el boxeo y la lucha libre, al igual que Spinelli. Ella era la antigua maestra de kinder, hasta que Gos apareció (en la película Abajo los grandes)y los descontrolo, haciendo que, secretamente, jure vengarse de el. Esta enamorada del conserje, pero su amor no puede funcionar, ya que la distrae demasiado de su trabajo.



• Randall Weems

Es uno de los niños más odiados de la escuela, debido a que siempre se está relatando de lo que ocurre a la profesora P. Finster, quien le suele dar una galleta como premio. Destaca por ser un cobarde y un soplón, muy probablemente porque su padre se comporta y luce igual. Solo quiere tener amigos, pero tampoco quiere que la señora Finster deje de quererlo. Envidia y odia a Spinelli mas que a nadie.

Como habéis podido comprobar, prácticamente todas estas caricaturas responden a modelos muy estereotipados; la empollona, el pringado de la clase, el rebelde bromista, la marimacho, el chico deportista, el chivato,etc. Pero no os dejéis engañar, porque esto no es una carencia de la serie, ya que los creadores buscan hacer una caricatura de los comportamientos asociados a cada estereotipo, provocando burlas amables.

La fórmula del programa tuvo bastante éxito, su emisión comenzó en 1997 gracias al patrocinio de Disney, empresa que por aquel entonces solía preocuparse más por la calidad de sus productos. La serie continuó ofreciendo mensajes para los más pequeños hasta el año 2001 momento en el que se decidió continuar usando a sus personajes en películas y especiales, algunos de menor calidad que la propia serie.

En definitiva, mi análisis final de La banda del patio concluye en que es una serie imprescindible que con el paso del tiempo se ha hecho más necesaria para las nuevas generaciones, También es recomendable un nuevo visionado para el fan veterano que creció siguiéndola, ya que ahora con una mente más madura podrá apreciar algunos matices que antes se le escapaban, lo que la convierte en una serie realmente redonda, tanto para el público infantil como para el adolescente.

Os dejo algunos enlaces de los capítulos más emblemáticos, todas las temporadas pueden encontrarse en youtube, así que os animo a verla:

https://www.youtube.com/watch?v=O7X0JtNlMms

https://www.youtube.com/watch?v=oAKLTxy0OHM

https://www.youtube.com/watch?v=yxQeBG6fJb8

https://www.youtube.com/watch?v=MUKdLazEGnQ

https://www.youtube.com/watch?v=qBwotXAtZ-s

La oratoria en las películas

Si buscamos en las páginas de la historia y la literatura encontraremos múltiples ejemplos de discursos ejemplares proclamados por líderes, filósofos, escritores y artistas. Todos nosotros guardamos en la memoria grandes frases célebres de estos discursos que han acabado por convertirse en un curioso refranero popular.

Por otro lado, existe también otra fuente de la cual podemos beber, o mejor dicho, oír, este tipo de conocimiento. El cine nos ha proporcionado con sus discursos muchos momentos emotivos acompañados de reflexión y sentimiento. Por ello, he decidido poner a continuación una página recopilatoria que guarda una buena colección de oratoria en el cine. Os invito a añadir aquí cualquier película que posea algún monólogo, diálogo o discusión que merezca la pena rememorar y que no aparezca en la lista.

http://laculturamepersigue.wordpress.com/2010/10/17/grandes-discursos-del-cine/

Yo, por mi parte incluyo los siguientes:

He elegido esta escena en concreto y no el discurso de la escalinata porque es aquí donde Marco Antonio (Marlon Brando) da rienda suelta a sus sentimientos contenidos explotando de rabia en un monólogo fantástico, breve y muy visceral.

Qué decir de este maravilloso principio donde se nos presenta al padrino, posiblemente el gángster italiano más real y conocido del mundo del cine. Vito Corleone aparece tras una súplica como un juez poderoso e implacable, pero ante todo, humano y respetuoso.

Este diálogo siempre me ha encantado, los motivos son varios. Aparte del increíble dueto actoral que Dennis Hopper y Christopher Walken nos ofrecen, este diálogo tiene de todo, pasa por diversas fases que combinan intimidación, picardía, humor, historia...una joya poco valorada. 

El Séptimo Sello es una obra maestra de Bergman con todas las de la ley. Cada plano, cada palabra se podrían analizar, un film realmente profundo y simbólico que no da tregua al espectador pensante. Esta escena recoge el amargo existencialismo que reina durante la mayor parte de la película.

De la desesperación anterior pasamos a un monólogo de Kevin Spacey muy agradable que conviene recordar de vez en cuando para que la vida no se nos haga demasiado pesada, para aprender a valorar aquellas pequeñeces que forman en realidad lo más hermoso que nos rodea pero que ignoramos, o al contrario, para aprender a ignorar las nimiedades de la vida a las que otorgamos demasiada importancia.

La crítica al oportunismo y a la falta de ética en los medios que hizo esta película sigue estando vigente hoy en día, de hecho, más que nunca. También encontramos un aviso para la mayoría de los telespectadores que actúan pasivamente y debilitan sus mentes y su criterio frente al televisor.

La ética en Los Soprano

Los valores y anti valores que quedan reflejados en esta serie surgen mayoritariamente de su protagonista, Tony Soprano (James Gandolfini), respetable vecino y padre de familia cuya profesión no es otra que la de capo mafioso. Lo interesante de Los Soprano es su realismo, el poder contemplar justamente esto, la vida de un hombre dedicado a sus dos familias, y los distintos comportamientos del personaje en cada ámbito.

Tony Soprano encarna el ideal de los antiguos valores, aquella época en la que los hijos respetaban a sus padres y los hombres eran tipos duros, leales y eficaces en su trabajo. Sin embargo, lo que Tony se encuentra en el mundo exterior simboliza todo lo contrario; falsedad, caos y desobediencia. Esto provoca un choque con sus creencias y le hace sentirse desplazado, hundido. 

Precisamente por eso, es en el mundo interior de Tony Soprano, es decir, en su trabajo, donde se siente cómodo, ya que es aquí donde puede ejercer un control absoluto sobre las personas que le rodean y donde se sostienen aquellos valores con los que ha crecido. Porque si hay algo inviolable para un italiano, es mantener las enseñanzas y la tradición familiar.

En este aspecto podemos encontrar un valor ético importante que merece mención, y es que a pesar de recurrir al asesinato, la extorsión y el robo, el objetivo final que este peligroso mafioso pretende es digno, busca proteger y cuidar de su familia, proporcionándoles lo mejor posible. Por eso se puede empatizar con el personaje ¿Qué marido o padre no quiere lo mejor para su familia?

En el  primer capítulo de la serie observamos este anhelo familiar gracias a un ejemplo en forma de metáfora. Tony ve cómo una bandada de patos que se había asentado en su piscina se va volando, continuando con su migración y dejándole solo. En ese momento el personaje queda aturdido e indefenso, porque esos patos representan en su subconsciente la pérdida de la familia.

Por otra parte, Tony Soprano es también el ejemplo de un hombre de negocios emprendedor que ejerce la labor de jefe con disciplina y sesera, negociando cuando es posible. Como mafioso que es, se mueve en un oficio cruel que se aprovecha del sistema, trata con lo peor de la sociedad y es una pieza importante que actúa en un tablero peligroso, con reglas mortales.

Todos estos elementos son aceptados, incluyendo el riesgo constante a ser detenido o asesinado a sangre fría. Tony Soprano vive en un mundo de violencia porque lo considera necesario, porque no conoce otra cosa, se ha criado en la delincuencia y los ejemplos que ha tenido desde su niñez han sido personas amorales en muchos sentidos.Esto también se revela visualmente en un capítulo en el cual Tony rememora su infancia con su padre y su tío, ambos delincuentes de barrio, amables con sus vecinos y paisanos, a la par que violentos recaudadores.

La doble personalidad que el personaje ofrece le lleva en ocasiones a contradecirse y a desesperarse, convirtiéndole en un cínico con debilidades. Esta hipocresía tiene un efecto reflejado en la serie, podemos comprobar cómo cada decisión tomada afecta a la salud mental de Tony, quien tiene que refugiarse más de una vez en fármacos y en sesiones de terapia para no desmoronarse.

Pero no todos son penurias en el día a día de este protagonista. Tony Soprano vive como un rey, es intocable en muchos aspectos, está rodeado de lujos y privilegios, aunque también de responsabilidades. Esta situación de superioridad le permite acceder fácilmente a ciertos vicios, y es que el poder corrompe. Porque si hay algo humano en los personajes de esta serie, son sus vicios y sus defectos.

La familia tampoco es inocente del todo. Nos encontramos con una mujer fiel y devota que cuida de sus hijos, lee, es tolerante y tiene un gran sentido moral, pero que a la hora de la verdad, deja todas estas cualidades a un lado cuando el dinero está de por medio, prefiriendo no cuestionarse su procedencia.

A pesar de todo, sí hay una rectitud en la serie, personificada en la doctora Melfi, la psiquiatra de Tony. Esta mujer simboliza la bondad, es una mano salvadora que intenta rescatar al mafioso de los pecados y guiarle por el camino de una ética redentora, porque nunca es demasiado tarde para aprender de nuestros errores. Su misión consiste en limpiar la mente y el alma sucia del capo, aliviando su fatiga y obligándole a expresar sus auténticos sentimientos. Si bien sólo consigue a medias su propósito, las conversaciones privadas entre estos dos personajes es posiblemente uno de los mayores encantos de la serie.

La conducta del jefe criminal seguirá siendo despreciable, aunque se podrá notar en el personaje un ligero cambio, una mayor preocupación y profundidad en sus razonamientos, e incluso una inquietud existencialista. La excusa en la que se ampara para justificar lo que hace es el famoso código de honor no escrito que marca las relaciones en la mafia “Somos soldados y los soldados no van al infierno. Es la guerra y los soldados matan a otros soldados. En la situación en la que estamos todo el mundo implicado sabe qué hay en juego…es el negocio. Somos soldados. Seguimos códigos”. 

Para los seguidores de esta gran serie que estén interesados en el tema, les recomiendo encarecidamente el libro "Los Soprano y la filosofía" . Para terminar os dejo la pieza musical que da introducción a cada capítulo, el famoso tema "Woke up this Morning" del grupo americano Alabama 3.

Charlie Kaufman: Montaje ¿Realidad o ficción?

Nombre: Charlie Kaufman

Profesión: Guionista, Director, Productor  y Escritor

Nacionalidad: Estadounidense

Lugar de nacimiento: Nueva York

Edad: 54 años

Filmografía:

 - Cómo ser John Malkovich (1999)

- Human Nature (2001)

- Adaptation. El ladrón de orquídeas (2002)

- Confesiones de una mente peligrosa (2002)

 - ¡Olvídate de mí! (2004)

 - Synecdoche, NewYork (2008)

 - Frank or Francis (2013)

Aunque este personaje es desconocido para la mayoría de espectadores (que no de críticos) y a pesar de que no goza de la fama de otros compañeros judíos de la profesión, no cabe duda de que Charlie Kaufman es un caso único, un creador especial que está al margen de las reglas de Hollywood.

Este genio incomprendido empezó su carrera en los noventa, en el campo de la televisión, escribiendo guiones para episodios de Búscate la vida, una sitcom sobre un repartidor de periódicos de treinta años, Ned & Stacey, otra comedia que trataba los matrimonios de conveniencia y The Dana Carvey Show, programa del cómico de mismo nombre.

Tras realizar estos proyectos, Kaufman decidió escribir un guión original completo apostando por una película de cine independiente titulada Being John Malkovich (1999), una cinta de humor estrafalario y de fantasía dirigida por Spike Jonze. El resultado de este debut de Kaufman como guionista en el cine fueron un premio BAFTA y tres nominaciones a los Oscar. Su nombre ya no era desconocido para la crítica y pronto se le empezó a considerar como un innovador en el arte narrativo.

El texto de esta interesante película nos plantea la posibilidad de transferir nuestra consciencia al cuerpo de un famoso, en este caso del propio John Malkovich. El tema de la realidad y de la percepción que nos rodea suele repetirse en la obra de Kaufman, es uno de sus patrones que también encontramos, aunque en menor medida, en Adaptation y que nos inunda y aturde completamente en la genial Eternal Sunshine.

Su siguiente trabajo, Human Nature (2001), es posiblemente su guión más prescindible. Esta película es una comedia ligera y disparatada, el conflicto que quiere plantear es la domesticación de un hombre salvaje de la mano de un grupo variopinto compuesto por una mujer peluda, una becaria y un domador de ratones. Sin embargo, la creación de esta película permitió la primera colaboración de Kaufman y Michael Gondry, quienes formarían una estupenda pareja creativa.

El supuesto mensaje moral que quiere dar el film es que con la naturaleza no se juega, y el intento de cambiar unos instintos y unas actitudes primarias es inútil, al final lo que yace bajo la superficie siempre aflora, incluso en los casos más civilizados. La cómica frase que resume el contenido principal de la película es puro humor Kaufman “ En caso de duda, es de buena educación no hacer lo que tengas ganas de hacer".

En su tercera película, Charlie adapta por primera vez una obra ajena a su terreno y realiza un guión basado en el libro de Chuck Barry, Confesiones de una mente peligrosa (2002). La película fue dirigida por George Clooney en su debut como director, no obstante la relación entre Kaufman y Clooney no fue buena debido al montaje final de la película, el cual cambiaba varias escenas escritas por el guionista judío. La historia cuenta la doble vida de un productor famoso de televisión que se dedica a asesinar en nombre de la CIA en sus horas más oscuras.

Al ser un proyecto mandado que parte de una autobiografía, en esta obra no encontramos tanto la firma de Kaufman como en los anteriores, aunque realidad y ficción son mezcladas en la película de forma muy inteligente, adoptando en ocasiones un estilo documental con entrevistas falseadas. Las críticas recibidas fueron buenas y el resultado en taquilla fue favorable también, lo que permitió a Kaufman contar con un mayor presupuesto.

A partir de aquí comienza lo que considero la cumbre de la carrera de Charlie Kaufman y la plenitud de su capacidad creativa ¿Por qué? Porque es en sus dos siguientes proyectos donde este maravilloso guionista pone de manifiesto su arte reinventando lo insulso y donde nos da una lección magistral de cómo debe ser el montaje perfecto de una película, en principio, imposible de estructurar.

Después de haber obtenido experiencia adaptando obras de otros escritores, Kaufman se lanza a uno de los retos más difíciles para un guionista, hacer divertido un libro sobre orquídeas. De esta idea surge Adaptation (2002), película basada en el libro The Orchid Thief de Susan Orlean. Para conseguir amenizar el tema y hacer posible su proyección en cines, Kaufman opta por rodar su propio proceso creativo, convirtiéndose en protagonista gracias a una estupenda interpretación de Nicolas Cage.

Así, en la película somos testigos de cómo un Kaufman mitad ficticio y mitad real tiene que trabajar en un guión sobre una adaptación, vemos cómo se agobia con su proyecto imposible, vemos la relación con su hermano Donald Kaufman y vemos también una historia de infidelidades y de relaciones humanas complejas. Charlie aprovecha en esta cinta para meterse con la industria hollywoodiense y para burlarse de sí mismo, mostrando sus preocupaciones y sus pensamientos más íntimos.

Realidad y ficción vuelven a mezclarse en esta propuesta tan original donde personas reales (guionistas, productores, escritores, etc) son interpretadas por actores famosos de la talla de Meryl Streep y Chris Cooper bajo la dirección de Spike Jonze, responsable de la también genial Being John Malkovich.

Las distintas historias paralelas que Adaptation nos presenta se juntan finalmente en una situación algo surrealista, pero con un elemento común siempre presente, una causa material que sirve como unión o nexo de todos los personajes, la orquídea.

Llega el año 2004 y con él el proyecto más ambicioso de Kaufman. El guionista excéntrico vuelve a hacer pareja con el director francés Michel Gondry, juntos realizarán una película completamente caótica que les llevará a ganar su primer Óscar al mejor guión original. Charlie vuelve al género fantasioso (si bien en este caso podría considerarse ciencia ficción) y toca de nuevo el tema de la metafísica, de una realidad compuesta de recuerdos. El amor, la ciencia y el olvido van de la mano en Eternal Sunshine of the Spotless Mind (¡Olvídate de mí!). Hay que destacar que lo grandioso de este film radica sobre todo en su laborioso montaje.

Kaufman estructura la película como si de un laberinto se tratase, recurriendo a múltiples flashbacks, flashforwards y empezando la narración por el final. El espectador no puede evitar sentirse como un extraño que se ha adentrado en la mente de Joel, el protagonista de la película, interpretado por el mejor Jim Carrey desde El show de Truman. El elemento sobrenatural parte de la existencia de una empresa capaz de borrar recuerdos de personas. El drama es predominante en la película, Kaufman se pone serio y deja el humor a un lado para plantearnos situaciones verdaderamente trágicas en esta complicada historia de amor.

Ver esta creación de Gondry y Kaufman exige un esfuerzo mental por parte del espectador, que será quien tenga que ordenarla en su cabeza para conseguir entenderla correctamente y encajar todas las piezas. El ritmo de la cinta está también muy calculado, y a medida que avanzamos en la historia se va haciendo más trepidante. Aunque Kaufman ya había jugado en sus trabajos anteriores con la narración utilizando escenas subjetivas, creando historias paralelas con un desenlace común y agrupando lo real con lo irreal o bien con lo onírico o ficticio, es en Eternal Sunshine donde demuestra ser un innovador, un narrador único capaz de contarnos una historia intencionadamente desmenuzada.

Con la mayoría de guionistas se puede diferenciar un claro desarrollo y desenlace de una película, pero Kaufman al igual que otros artistas del mundo independiente, intenta siempre salirse del marco para sorprendernos, no hay ningún seguimiento previsible que se pueda deducir, ya que no existe una trama lineal. Para ello, busca situaciones raras, inesperadas y extravagantes que eviten poder desvelar un final cliché. Lo que más mérito tiene el adoptar este estilo de rodar cine, es que todo depende de tu libertad creativa, porque no hay normas que te guíen durante el proceso. La postura del guionista independiente se ha visto muchas veces enfrentada con la imagen de la industria hollywoodiense, y aunque Kaufman no oculta su aversión por el cine comercial, también hay que admitir que no lo descarta del todo (de hecho a veces se deja influir por él).

Otro factor a tener en cuenta en el proceso creativo de Charlie es la repetición de personajes femeninos con un gran carácter, fuertes, espontáneos e independientes, que suelen tener su contrapunto en protagonistas masculinos introvertidos, tristes,  amargados y solitarios. Los hijos que salen de la pluma de este guionista no son felices, y buscan o se encuentran con algo que les anima, que les despierta y les hace reaccionar, saliendo de su insomnio, de una vida aburrida. En esa búsqueda, a menudo, se pierden por caminos extraños que les llevan a la pura paranoia, a una esquizofrenia temporal que terminan superando para volver a replantear todo con una lección ya aprendida.

La evolución de los protagonistas, es por tanto, un desarrollo positivo, hay una maduración o una superación de una debilidad que anteriormente trastornaba y dificultaba cualquier tipo de relación. Y es aquí, en este happy ending, donde pillamos al artista independiente cediendo ante los estereotipos de la industria de Hollywood.

Para terminar, nos encontramos con la última película de Kaufman estrenada en Estados Unidos en 2008. Con este largometraje nuestro guionista dio el gran paso de convertirse en director, asumiendo el control absoluto de su creación. Ya el título puede causar cierta confusión, y es que efectivamente, una sesión con Synecdoche, New York provoca sobre todo, dudas. Nada en Charlie Kaufman es fácil de digerir. El filosófico tema desarrollado en Synecdoche es la vida misma, y sus distintas dimensiones. Volvemos a comprobar que la realidad y la ilusión es una obsesión personal del guionista y director, esta vez enfocada desde el mundo teatral.

El protagonista del film, Caden Cotard, interpretado por un contundente Philip Seymour Hoffman, tendrá el sueño de estrenar una obra de teatro que represente la vida misma, para ello construirá como escenario una réplica real de la ciudad de Nueva York. Con esta película reflexiva Kaufman quiere que nos paremos un momento y contemplemos una belleza ilógica y emotiva llamada vida. Lamentablemente, aunque algunos expertos han considerado este título como lo mejor de la carrera de Charlie Kaufman, las buenas críticas no consiguieron salvar la película del fracaso comercial, pasando bastante inadvertida.

 Sólo queda esperar que el arte ofrecido por este incomprendido genio se siga valorando, y que el nombre de Charlie Kaufman no caiga en el olvido ante las banales superproducciones enlatadas a base de efectos especiales. Porque si hay algo que se pueda afirmar de su filmografía, si hay algún mérito que puede atribuírsele, es que este judío cineasta ha sido capaz de devolver el orgullo al oficio de guionista, aportando elementos nuevos, y sobre todo arriesgados. Este soplo de aire revitalizador es algo muy necesitado en estos días en el cine, y Kaufman es una de las pocas figuras que nos lo proporciona sin recurrir a grandes presupuestos.